Botticelli, le peintre emblématique de la Renaissance

De "La naissance de Vénus" au "Printemps" en passant par de nombreuses représentations religieuses, Botticelli par son génie singulier a incarné l'art florentin de la Renaissance.

De Allesandra Pagano
Publication 11 sept. 2020 à 15:03 CEST, Mise à jour 5 nov. 2020 à 06:29 CET
Peut-être son œuvre la plus célèbre, « La Naissance de Vénus » de Botticelli, a été ...

Peut-être son œuvre la plus célèbre, « La Naissance de Vénus » de Botticelli, a été peinte vers 1485.

Photographie de Album

De son nom de baptême Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, Sandro Botticelli était le plus jeune fils d'un tanneur florentin. Dévastée un siècle plus tôt par la peste noire, la cité italienne s'était rétablie et était désormais prospère. Au 15e siècle, de puissants marchands et banquiers investissaient leur fortune dans la peinture, la sculpture et l'architecture, et Florence devint rapidement l'épicentre d'un nouveau mouvement qui exprimait avec éloquence des valeurs d'humanisme, de sagesse et de vérité à travers les arts. Le travail de Sandro Botticelli incarnait les valeurs du début de la Renaissance, mêlant beauté organique à la précision géométrique.

 

TALENT INNÉ

Botticelli a intégré cet autoportrait dans son "Adoration des mages", 1475-76, Galerie des Offices, Florence

Photographie de Scala/Florence

Sandro avait un frère aîné, qu'on surnommait « tonneau » car il était trapu, et on pense que c'est la raison pour laquelle le jeune Sandro a hérité du surnom de Botticelli. Le nom lui est resté pour le reste de sa vie et est devenu synonyme de certaines des plus grandes œuvres d'art florentines.

On sait peu de choses sur les premières années de l'artiste. À propos de l'enfance de Botticelli, l'historien du 16e siècle Giorgio Vasari écrivit ainsi : « Bien que [Botticelli] pouvait facilement apprendre tout ce qu'il voulait, il était néanmoins agité... [et donc] las des caprices du cerveau de son fils, en désespoir, son père l'a mis en apprenti comme orfèvre. » Cette expérience émerge dans les peintures de Botticelli sous la forme de fioritures méticuleuses et complexes. 

Au temps de la jeunesse de Botticelli, Florence était le centre de l'innovation de l'art italien. Le sculpteur florentin Donatello a utilisé sa vaste connaissance des œuvres classiques pour pousser son art vers de nouveaux sommets. La basilique dominicaine de Santa Maria Novella abritait la fresque de la « Sainte Trinité » de Masaccio. Achevé en 1427, c'était là le premier ouvrage à appliquer pleinement les lois de la perspective linéaire. 

Les érudits estiment que les Vespucci, riches connaissances de la famille Botticelli, lui ont assuré un apprentissage chez Fra Filippo Lippi, l'un des plus grands peintres de la région. Lippi avait un atelier dans la ville voisine de Prato, et l'adolescent y étudia et peignit ses premières œuvres sous la tutelle de Lippi.

 

DES PATRONS FLORENTINS

Des artistes de la Renaissance tels que Lippi et Botticelli comptaient sur de puissants mécènes pour financer leur travail. Dans la Florence du 15e siècle, la puissante famille Médicis finança plusieurs des plus grands artistes de l'époque. La branche florentine de la famille avait fait fortune dans le textile et la finance.

Cosme de Médicis arriva au pouvoir en 1434 et se lança immédiatement dans un vaste programme de construction, comprenant la finition de la coupole de la Cathédrale Santa Maria del Fiore défiant la gravité. Ces nouveaux édifices construits, il fallait les décorer de riches œuvres d'art, que les artistes n'étaient que trop heureux de créer.

En 1464, pendant l'apprentissage de Botticelli, Cosme mourut et fut remplacé par son fils, Pierre Ier de Médicis. Cinq ans plus tard, les fils de Pierre, Julien et Laurent (connu plus tard sous le nom de « Laurent le Magnifique ») rejoignirent leur père pour faire perdurer cette tradition de mécénat initiée par leur grand-père.

La Vierge à l'enfant était un sujet populaire pour Botticelli depuis le début de sa carrière. Le plus célèbre est peut-être le tondus de 1483 connu sous le nom de « Madone du Magnificat » (à droite), qui reflète subtilement l'art visionnaire de Botticelli. Certains aspects de la peinture sont traditionnels : le bleu du costume de Marie symbolise la fidélité, tandis que le rouge de sa robe et le fruit tenu par l'enfant Christ représentent la Passion à venir de Jésus.

Photographie de AKG / ALBUM & BPK / SCALA FLORENCE

Vers 1468, Botticelli quitta Lippi pour étudier avec d'autres maîtres, dont Andrea del Verrocchio, le professeur de Léonard de Vinci, dont l'influence ajouta de solides qualités sculpturales aux figures de Botticelli. Au cours des années 1470, Botticelli fonda son propre atelier. Bien que ses mécènes choisissaient souvent les sujets de ses œuvres - des thèmes à la fois sacrés et profanes - Botticelli incarne l'idéal de la Renaissance de l'artiste libre de laisser son génie définir son style si distinctif. Il se révéla être un peintre magistral capable d'exécuter des retables et des peintures circulaires et dévotionnelles appelées tondi, dont la plus connue est la « Madone du Magnificat ».

Pendant ce temps, Botticelli commença une relation de travail étroite avec les Médicis, qui lui commandèrent plusieurs peintures. Il s'agit notamment du « Portrait d'homme avec médaille de Cosme l'ancien », daté de 1474 ou 1475, et de l'« Adoration des mages », qui contient des portraits de membres de la famille Médicis rendant hommage à la Sainte Famille.

La carrière de Botticelli coïncida avec l'épanouissement du néoplatonisme, une philosophie de la Renaissance basée sur les enseignements de Platon. Le néoplatonisme reconnaissait la suprématie de l'esprit sur la matière et considérait l'intellect et l'amour comme des moyens de conduire l'âme à Dieu. Cosme encouragea cette philosophie, qui fut poursuivie par ses héritiers. 

Les œuvres les plus célèbres de Botticelli s'inspirent également du monde classique. Commandées par les Médicis, ses grandes œuvres mythologiques des années 1480 - dont « Le Printemps », « La Naissance de Vénus » et « Pallas et le Centaure » - reflètent les valeurs néoplatoniciennes. Ces œuvres sont envoûtantes en surface, mais les lignes fluides et les détails complexes qu'y a ajouté Botticelli créent de nouveaux niveaux de signification, à la fois allégoriques et symboliques, pour engager le spectateur.

Botticelli a terminé « Le Printemps » en 1482 pour un parent de Laurent de Medicis. Le tableau représente une allégorie classique, l'action se déroulant de droite à gauche : la nymphe Chloris est saisie par Zéphyr et transformée en Flora, déesse du printemps. Au-dessus de Vénus, au centre, Cupidon tire une flèche d'amour sur les trois grâces alors qu'elles dansent. À gauche, Mercure éloigne les nuages ​​du jardin. Une lecture de l'image - une allégorie - met l'accent sur une vision néoplatonicienne de l'amour et du mariage, alors que le désir est transformé et sanctifié à un niveau supérieur.

Photographie de Picture of ORONOZ/ALBUM

LES TEMPS CHANGENT

Les œuvres religieuses de Botticelli ont également participé à sa renommée qui l'on conduit dans le cadre d'un rare déplacement à Rome en 1481 à travailler sur des fresques de la chapelle Sixtine. Le récit de Vasari de la visite à Rome de Botticelli donne un aperçu intéressant de la façon dont le peintre aimait à vivre : « Ayant rapidement gaspillé ses gains, il vécut au hasard, comme c'était sa coutume. »

En 1492, le climat politique florentin changea après la mort de Laurent le Magnifique. Un moine dominicain, Jérôme Savonarole, acquit une grande influence de prédicateur et attira de nombreux adeptes spirituels qui s'opposèrent aux Médicis. Selon Vasari, Botticelli tomba sous l'emprise de Savonarole, ce qui le conduisit à abandonner la peinture, son seul moyen de gagner sa vie. Vasari écrivit : « Néanmoins, il est resté un membre obstiné de la secte. »

Ce maître de la Renaissance italienne mourut en 1510, à l'âge de 64 ans. Beaucoup de ses œuvres les plus célèbres étaient alors accrochées dans les monuments de son quartier, des bâtiments qu'il connaissait depuis l'enfance, dont l'église d'Ognissanti, où il fut enterré dans une tombe modeste.

 

Cet article a initialement paru sur le site nationalgeographic.com en langue anglaise.

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